Warszawa 14.11.2026, g. 19:00
od 30.00 pln
Program ułożony jest z sześciu mocno skontrastowanych kompozycji twórców z Polski, Ukrainy, Czech, Argentyny i Serbii. Trzy spośród utworów dedykowane są Baltic Neopolis Orchestra, a każdy ukazuje odmienne spojrzenie na niezwykły splot instrumentów, jakim jest kameralna orkiestra smyczkowa. To właśnie w jej brzmieniu kompozytorzy odnajdują środek, dzięki któremu mogą wyrażać głębokie emocje, wspominać historię, ale też porywać słuchaczy do tańca i muzycznej zabawy, w której pobrzmiewają echa ludowych tradycji.
Więcej informacji na stronie www.eufonie.pl
Program
Paweł Łukaszewski
Sinfonietta
na orkiestrę smyczkową [10’]
Walentyn Sylwestrow / Valentin Silvestrov
Cicha muzyka / Silent Music
na orkiestrę smyczkową [11’]
Sylvie Bodorová
Concerto dei fiori
na skrzypce i orkiestrę smyczkową [13’]
**** przerwa [20']
Marcelo Nisinman
13 wariacji na temat polskiej melodii
na skrzypce, wiolonczelę i orkiestrę smyczkową [12’]
Aleksandar Simić
In Memoriam
na orkiestrę smyczkową [5’]
Mikołaj Piotr Górecki
Atlantis op. 72
na 15 instrumentów smyczkowych [15’] – prawykonanie
Wykonawcy:
Baltic Neopolis Orchestra
Emanuel Salvador – skrzypce, dyrektor artystyczny orkiestry
Piotr Więcław – wiolonczela
Więcej informacji na stronie www.eufonie.pl
Program
Paweł Łukaszewski
Sinfonietta
na orkiestrę smyczkową [10’]
Walentyn Sylwestrow / Valentin Silvestrov
Cicha muzyka / Silent Music
na orkiestrę smyczkową [11’]
Sylvie Bodorová
Concerto dei fiori
na skrzypce i orkiestrę smyczkową [13’]
**** przerwa [20']
Marcelo Nisinman
13 wariacji na temat polskiej melodii
na skrzypce, wiolonczelę i orkiestrę smyczkową [12’]
Aleksandar Simić
In Memoriam
na orkiestrę smyczkową [5’]
Mikołaj Piotr Górecki
Atlantis op. 72
na 15 instrumentów smyczkowych [15’] – prawykonanie
Wykonawcy:
Baltic Neopolis Orchestra
Emanuel Salvador – skrzypce, dyrektor artystyczny orkiestry
Piotr Więcław – wiolonczela
Warszawa 18.11.2026, g. 19:00
od 40.00 pln
Muzyka sprzyja kontemplacji miejsc uznanych za święte i zadumie nad tym, jak wiele zniszczył człowiek. Spróbuj opiewać okaleczony świat to oparta na słynnym wierszu Adama Zagajewskiego najnowsza kompozycja Zygmunta Krauzego, nawołująca do zachwytu codziennością. II Koncert fortepianowy Krauzego, inspirowany podróżami twórcy, wyraża podziw i szacunek dla różnorodności kulturowej świata. IV Symfonia Gustava Mahlera ilustruje tęsknotę za idylliczną, dziecięcą wizją Nieba, którą przełamuje zawoalowana ironia kompozytora.
Więcej informacji na stronie www.eufonie.pl
PROGRAM
Zygmunt Krauze
Spróbuj opiewać okaleczony świat
na sopran i orkiestrę [12’] – prawykonanie
słowa: Adam Zagajewski
II Koncert fortepianowy [35’]
**** przerwa [20']
Gustav Mahler
IV Symfonia G-dur
na sopran i wielką orkiestrę symfoniczną [54’]
słowa w IV części: tekst pieśni ludowej Das himmlische Leben ze zbioru Cudowny róg chłopca / Des Knaben Wunderhorn
Więcej informacji na stronie www.eufonie.pl
PROGRAM
Zygmunt Krauze
Spróbuj opiewać okaleczony świat
na sopran i orkiestrę [12’] – prawykonanie
słowa: Adam Zagajewski
II Koncert fortepianowy [35’]
**** przerwa [20']
Gustav Mahler
IV Symfonia G-dur
na sopran i wielką orkiestrę symfoniczną [54’]
słowa w IV części: tekst pieśni ludowej Das himmlische Leben ze zbioru Cudowny róg chłopca / Des Knaben Wunderhorn
Warszawa 21.11.2026, g. 19:00
od 40.00 pln
Megalopolis to muzyczna wizja miasta, które staje się metaforą struktury, doświadczenia i relacji międzyludzkich. Kompozycje Emila Miszka wykonywane są przez rozbudowany, wielobarwny, międzynarodowy zespół. Łączą jazz, współczesną klasykę, improwizację i muzykę filmową, skłaniając do refleksji nad funkcjonowaniem człowieka w świecie znaczących różnic i nadmiaru bodźców. Ukazują także potencjał codzienności jako inspiracji do bardziej uważnego życia wśród ciągłego poszukiwania kompromisu i zaznaczania własnej obecności.
PROGRAM
Emil Miszk
Modulaire
Materiał z albumu Megalopolis
WYKONAWCY
Emil Miszk – trąbka Steinar Heide Bø – perkusja Kertu Aer – kontrabas Håkon Huldt-Nystrøm – kontrabas Sondre Moshagen – fortepian Emil Bø – puzon Inga Vamze – saksofon tenorowy Viktoria Holde Søndergaard – wibrafon Jorik Bergmann – flety Jonathan Sandqvist – fagot Krzysztof Stencel – waltornia Dominik Wroniszewski – obój Krzysztof Hadrych – gitara
Emil Miszk – trąbka
Jest trębaczem, kompozytorem i improwizatorem. Należy do artystów, którzy traktują zespół nie tylko jako skład wykonawczy, lecz jako przestrzeń myślenia o muzyce oraz relacji i odpowiedzialności za wspólne brzmienie.
Od lat rozwija własny język muzyczny, a jego twórczość wyrasta z potrzeby łączenia precyzji z otwartością. Ważne są dla niego konstrukcja, proporcja i świadome prowadzenie narracji, ale równie istotne pozostaje ryzyko i możliwość zmiany kierunku. Dzięki temu jego muzyka zachowuje napięcie między dyscypliną a wolnością.
W 2019 roku otrzymał nagrodę Fryderyk w kategorii Jazzowy Debiut Roku za album Don’t Hesitate! nagrany z zespołem Emil Miszk & The Sonic Syndicate. Był również sześciokrotnie nominowany do nagrody Fryderyk w kategorii Jazzowy Album Roku.
Jest związany z wieloma projektami, m.in. Pesh, Bled, Tomasz Chyła Quintet oraz kwartetem trąbek historycznych Tubicinatores Gedanenses. Ta różnorodność jest sposobem badania różnych wymiarów brzmienia: od dużych form i współczesnego jazzu, przez improwizację, po historyczne instrumentarium.
Modulaire
To coś więcej niż zespół. To sposób pracy z muzyką, w którym kompozycja, improwizacja i odpowiedzialność za wspólne brzmienie spotykają się w jednej formie.
Projekt prowadzony przez Emila Miszka działa jako modularny large ensemble: międzynarodowy duży skład, który może przyjmować różne konfiguracje, zachowując ten sam język pracy z formą. W tym sensie Modulaire jest także projektem europejskim: opartym nie na jednej wspólnej estetyce, lecz na umiejętności słuchania różnic i budowania z nich wspólnej formy.
Modulaire wyrasta z potrzeby bycia razem bez rezygnowania z własnego głosu. To projekt, który szuka alternatywy dla klasycznie hierarchicznego myślenia o dużym zespole, tworząc przestrzeń, w której różne perspektywy mogą współistnieć, ścierać się i wzajemnie na siebie wpływać.
Utwory mają wyraźną architekturę, ale nie są zamknięte. Zostawiają przestrzeń na decyzję, reakcję i słuchanie siebie nawzajem. Każdy głos ma znaczenie, ale żaden nie istnieje poza odpowiedzialnością za całość.
PROGRAM
Emil Miszk
Modulaire
Materiał z albumu Megalopolis
WYKONAWCY
Emil Miszk – trąbka Steinar Heide Bø – perkusja Kertu Aer – kontrabas Håkon Huldt-Nystrøm – kontrabas Sondre Moshagen – fortepian Emil Bø – puzon Inga Vamze – saksofon tenorowy Viktoria Holde Søndergaard – wibrafon Jorik Bergmann – flety Jonathan Sandqvist – fagot Krzysztof Stencel – waltornia Dominik Wroniszewski – obój Krzysztof Hadrych – gitara
Emil Miszk – trąbka
Jest trębaczem, kompozytorem i improwizatorem. Należy do artystów, którzy traktują zespół nie tylko jako skład wykonawczy, lecz jako przestrzeń myślenia o muzyce oraz relacji i odpowiedzialności za wspólne brzmienie.
Od lat rozwija własny język muzyczny, a jego twórczość wyrasta z potrzeby łączenia precyzji z otwartością. Ważne są dla niego konstrukcja, proporcja i świadome prowadzenie narracji, ale równie istotne pozostaje ryzyko i możliwość zmiany kierunku. Dzięki temu jego muzyka zachowuje napięcie między dyscypliną a wolnością.
W 2019 roku otrzymał nagrodę Fryderyk w kategorii Jazzowy Debiut Roku za album Don’t Hesitate! nagrany z zespołem Emil Miszk & The Sonic Syndicate. Był również sześciokrotnie nominowany do nagrody Fryderyk w kategorii Jazzowy Album Roku.
Jest związany z wieloma projektami, m.in. Pesh, Bled, Tomasz Chyła Quintet oraz kwartetem trąbek historycznych Tubicinatores Gedanenses. Ta różnorodność jest sposobem badania różnych wymiarów brzmienia: od dużych form i współczesnego jazzu, przez improwizację, po historyczne instrumentarium.
Modulaire
To coś więcej niż zespół. To sposób pracy z muzyką, w którym kompozycja, improwizacja i odpowiedzialność za wspólne brzmienie spotykają się w jednej formie.
Projekt prowadzony przez Emila Miszka działa jako modularny large ensemble: międzynarodowy duży skład, który może przyjmować różne konfiguracje, zachowując ten sam język pracy z formą. W tym sensie Modulaire jest także projektem europejskim: opartym nie na jednej wspólnej estetyce, lecz na umiejętności słuchania różnic i budowania z nich wspólnej formy.
Modulaire wyrasta z potrzeby bycia razem bez rezygnowania z własnego głosu. To projekt, który szuka alternatywy dla klasycznie hierarchicznego myślenia o dużym zespole, tworząc przestrzeń, w której różne perspektywy mogą współistnieć, ścierać się i wzajemnie na siebie wpływać.
Utwory mają wyraźną architekturę, ale nie są zamknięte. Zostawiają przestrzeń na decyzję, reakcję i słuchanie siebie nawzajem. Każdy głos ma znaczenie, ale żaden nie istnieje poza odpowiedzialnością za całość.
Warszawa 22.11.2026, g. 19:00
od 30.00 pln
Wspólny projekt kwartetu smyczkowego Spectrum Quartett, zespołu ludowego Nogaband oraz żeńskiego zespołu wokalnego Ulijanky, ze do których specjalnym gościnnie dołączy wokalistka Simona Hulejová. Słowaccy muzycy zaprezentują fascynujące połączenie muzyki klasycznej i ludowej, oparte na wzajemnych inspiracjach i powiązaniach między różnymi regionami. Usłyszymy zarówno autentyczne pieśni i motywy ludowe ze Słowacji, jak i ich zjawiskowe opracowania w utworach takich kompozytorów, jak Eugen Suchoň, Ilja Zeljenka, Béla Bartók czy Leoš Janáček.
Więcej informacji na stronie www.eufonie.pl
PROGRAM
Pictures from Slovakia
Koncepcja muzyczna: Ján Kružliak jr Program i aranżacje: Ján Kružliak jr, Michal Noga
Eugen Suchoň
Przeleciał sokół / Preletel sokol
z cyklu Obrazki ze Słowacji
divertimento ludowe dla młodych wykonawców
Nogaband
Oda do Češľaka
połączenie Ody do radości Ludwiga van Beethovena z charakterystycznym stylem wykonawczym romskiego muzyka ludowego Jozefa Kroki „Češľaka” z Zámutova dopełniony pieśniami ludowymi z jego rodzinnego Zámutova
Béla Bartók
Słowackie pieśni ludowe (wybór)
pieśni ludowe zebrane w regionie gemerskim
aranżacja na kwartet smyczkowy i głos: Vladimír Godár
Ilja Zeljenka
Musica slovaca
na kameralną orkiestrę smyczkową
utwór oparty na melodiach ludowych z Čičmany i Dolnego Vadičova
w połączeniu z pieśniami ludowymi
Eugen Suchoň
Sonatina op. 11
z cyklu Obrazki ze Słowacji
utwór oparty na słowackich pieśniach wojskowych
Alexander Moyzes
Idą lubi / Omilienci chodia
z cyklu Czterech muzykantów
Leoš Janáček
Morawska poezja ludowa w pieśniach / Moravská lidová poezie v písních (wybór)
aranżacja na kwartet smyczkowy i głos: Vladimír Godár
Eugen Suchoň
Pieśni z gór
Więcej informacji na stronie www.eufonie.pl
PROGRAM
Pictures from Slovakia
Koncepcja muzyczna: Ján Kružliak jr Program i aranżacje: Ján Kružliak jr, Michal Noga
Eugen Suchoň
Przeleciał sokół / Preletel sokol
z cyklu Obrazki ze Słowacji
divertimento ludowe dla młodych wykonawców
Nogaband
Oda do Češľaka
połączenie Ody do radości Ludwiga van Beethovena z charakterystycznym stylem wykonawczym romskiego muzyka ludowego Jozefa Kroki „Češľaka” z Zámutova dopełniony pieśniami ludowymi z jego rodzinnego Zámutova
Béla Bartók
Słowackie pieśni ludowe (wybór)
pieśni ludowe zebrane w regionie gemerskim
aranżacja na kwartet smyczkowy i głos: Vladimír Godár
Ilja Zeljenka
Musica slovaca
na kameralną orkiestrę smyczkową
utwór oparty na melodiach ludowych z Čičmany i Dolnego Vadičova
w połączeniu z pieśniami ludowymi
Eugen Suchoň
Sonatina op. 11
z cyklu Obrazki ze Słowacji
utwór oparty na słowackich pieśniach wojskowych
Alexander Moyzes
Idą lubi / Omilienci chodia
z cyklu Czterech muzykantów
Leoš Janáček
Morawska poezja ludowa w pieśniach / Moravská lidová poezie v písních (wybór)
aranżacja na kwartet smyczkowy i głos: Vladimír Godár
Eugen Suchoň
Pieśni z gór
Warszawa 23.11.2026, g. 19:00
od 40.00 pln
Credo uchodzi za jeden z najważniejszych utworów sakralnych Krzysztofa Pendereckiego. Rozbudowanie liturgicznego wyznania wiary o pieśni i hymny w trzech językach jest świadomym wyjściem poza schemat czysto teologicznych rozważań i precyzji dogmatów. Dzięki temu kompozycja staje się osobistym wyznaniem wiary kompozytora. Credo oczarowuje precyzją konstrukcji, rozmachem środków wyrazowych i potęgą aparatu wykonawczego, które składają się na siłę i klarowność przekazu
Więcej informacji na stronie www.eufonie.pl
PROGRAM
Credo na pięć głosów solowych, chór dziecięcy, chór mieszany i orkiestrę [51’]
słowa: fragmenty tekstów liturgii łacińskiej (Credo, Pange lingua, Popule meus, Salve festa dies, Haec dies), Apokalipsy św. Jana, polskich pieśni religijnych (Ludu, mój ludu, Któryś cierpiał) i psalmu protestanckiego (Aus tiefer Not)
Więcej informacji na stronie www.eufonie.pl
PROGRAM
Credo na pięć głosów solowych, chór dziecięcy, chór mieszany i orkiestrę [51’]
słowa: fragmenty tekstów liturgii łacińskiej (Credo, Pange lingua, Popule meus, Salve festa dies, Haec dies), Apokalipsy św. Jana, polskich pieśni religijnych (Ludu, mój ludu, Któryś cierpiał) i psalmu protestanckiego (Aus tiefer Not)
Warszawa 24.11.2026, g. 19:00
od 30.00 pln
Utworzone przez klarnecistę Pawła Szamburskiego trio Bastarda specjalizuje się w łączeniu muzyki dawnej i współczesnej, z elementami free jazzu i etno. Koncert zespołu w legendarnym SPATiFie będzie stanowił post-scriptum do ich ostatniej płyty – XB. W ramach festiwalu Eufonie usłyszymy autorskie interpretacje muzyki z filmów Andrzeja Wajdy. Członkowie zespołu wykonają kolektywne improwizacje, oparte na kompozycjach Wojciecha Kilara, Andrzeja Korzyńskiego, Krzysztofa Komedy i Jana Krenza.
PROGRAM
Muzyka do filmów Andrzeja Wajdy w aranżacjach zespołu Bastarda
Wojciech Kilar
Walc z muzyki do filmu Ziemia Obiecana (1974)
Marsz kawalerii z muzyki do filmu Kronika wypadków miłosnych (1986)
Andrzej Korzyński
Temat przewodni z muzyki do filmu Człowiek z marmuru (1976)
Temat przewodni z muzyki do filmu Człowiek z żelaza (1981)
Krzysztof Komeda
Tango
Looking for Pelagia
z muzyki do filmu Niewinni Czarodzieje (1960)
Jan Krenz
Suita z muzyki do filmu Kanał (1956)
Temat przewodni z muzyki do filmu Popiół i diament (1958)
WYKONAWCY
Bastarda:
Paweł Szamburski – klarnet
Tomasz Pokrzywiński – wiolonczela
Michał Górczyński – klarnet kontrabasowy
[Biogramy - Bastarda vs Wajda]
Bastarda
Zespół powołany do życia w 2017 roku przez Pawła Szamburskiego (klarnet), Tomasza Pokrzywińskiego (wiolonczela) oraz Michała Górczyńskiego (klarnet kontrabasowy). Ten jedyny w swoim rodzaju zestaw instrumentów umożliwił muzykom wykreowanie wyjątkowego brzmienia, które stało się wyznacznikiem stylu i unikatową cechą Bastardy.
W krótkim czasie trio wykształciło własny język muzyczny, który stał się narzędziem do przetwarzania i komponowania nowej muzyki, czerpiącej inspiracje z wielu intrygujących źródeł – od średniowiecznej i renesansowej polifonii, przez XIX-wieczne chasydzkie Niguny, po muzykę tradycyjną z różnych zakątków świata (Portugalia, Polska, Litwa, Białoruś). Te zróżnicowane gatunki i teksty kultury stają się dla zespołu jedynie punktem wyjścia do własnych kompozycji i improwizacji – wczesnobarokowa metoda alla bastarda zostaje użyta w całkowicie nowym kontekście. W ten sposób muzyczne tradycje minionych epok płynnie przekształcają się w oryginalną, bardzo osobistą i na wskroś współczesną wypowiedź artystyczną.
Sukces pierwszych trzech albumów sprawił, że Bastarda stała się jednym z najciekawszych zespołów kameralnych na polskiej scenie muzycznej. Kolejne cztery albumy to seria wyjątkowych współprac tria z artystami z Polski i zagranicy (m.in. zespół Sutari, holenderska orkiestra Holland Baroque czy portugalski wokalista João de Sousa), które również zostały bardzo dobrze odebrane przez krytykę i słuchaczy.
W ostatnich latach zespół tworzył też nowe programy, komponowane specjalnie na zamówienie festiwali (m.in. Warszawska Jesień, Unsound Festival, Festiwal Kultury Żydowskiej w Grodzisku Mazowieckim) oraz instytucji kultury (program Polscy kompozytorzy muzyki filmowej przygotowany na 85-lecie radiowej Dwójki czy Faraon zrealizowany dla Filmoteki Narodowej – Instytutu Audiowizualnego). Za muzykę do słuchowiska Krakus C.K. Norwida w reżyserii D. Błaszczyka trio otrzymało Nagrodę im. J. Hajduna na XXI Festiwalu „Dwa Teatry”.
Bastarda doceniana jest również na arenie międzynarodowej. Już po wydaniu pierwszej płyty zespół zaproszony został jako partner międzynarodowego projektu badawczego Sound Memories: The Musical Past in Late-Medieval and Early-Modern Europe realizowanego przez wiodące europejskie uniwersytety (Humanities in the European Research Area). Niewątpliwym sukcesem jest także wydanie płyty w renomowanej wytwórni Pentatone i związane z tym wydawnictwem trasy koncertowe w Holandii (występy w tak prestiżowych miejscach, jak Het Concertgebouw w Amsterdamie).
Wydawniczo i środowiskowo grupa związana jest z wytwórnią Lado ABC oraz Audio Cave.
PROGRAM
Muzyka do filmów Andrzeja Wajdy w aranżacjach zespołu Bastarda
Wojciech Kilar
Walc z muzyki do filmu Ziemia Obiecana (1974)
Marsz kawalerii z muzyki do filmu Kronika wypadków miłosnych (1986)
Andrzej Korzyński
Temat przewodni z muzyki do filmu Człowiek z marmuru (1976)
Temat przewodni z muzyki do filmu Człowiek z żelaza (1981)
Krzysztof Komeda
Tango
Looking for Pelagia
z muzyki do filmu Niewinni Czarodzieje (1960)
Jan Krenz
Suita z muzyki do filmu Kanał (1956)
Temat przewodni z muzyki do filmu Popiół i diament (1958)
WYKONAWCY
Bastarda:
Paweł Szamburski – klarnet
Tomasz Pokrzywiński – wiolonczela
Michał Górczyński – klarnet kontrabasowy
[Biogramy - Bastarda vs Wajda]
Bastarda
Zespół powołany do życia w 2017 roku przez Pawła Szamburskiego (klarnet), Tomasza Pokrzywińskiego (wiolonczela) oraz Michała Górczyńskiego (klarnet kontrabasowy). Ten jedyny w swoim rodzaju zestaw instrumentów umożliwił muzykom wykreowanie wyjątkowego brzmienia, które stało się wyznacznikiem stylu i unikatową cechą Bastardy.
W krótkim czasie trio wykształciło własny język muzyczny, który stał się narzędziem do przetwarzania i komponowania nowej muzyki, czerpiącej inspiracje z wielu intrygujących źródeł – od średniowiecznej i renesansowej polifonii, przez XIX-wieczne chasydzkie Niguny, po muzykę tradycyjną z różnych zakątków świata (Portugalia, Polska, Litwa, Białoruś). Te zróżnicowane gatunki i teksty kultury stają się dla zespołu jedynie punktem wyjścia do własnych kompozycji i improwizacji – wczesnobarokowa metoda alla bastarda zostaje użyta w całkowicie nowym kontekście. W ten sposób muzyczne tradycje minionych epok płynnie przekształcają się w oryginalną, bardzo osobistą i na wskroś współczesną wypowiedź artystyczną.
Sukces pierwszych trzech albumów sprawił, że Bastarda stała się jednym z najciekawszych zespołów kameralnych na polskiej scenie muzycznej. Kolejne cztery albumy to seria wyjątkowych współprac tria z artystami z Polski i zagranicy (m.in. zespół Sutari, holenderska orkiestra Holland Baroque czy portugalski wokalista João de Sousa), które również zostały bardzo dobrze odebrane przez krytykę i słuchaczy.
W ostatnich latach zespół tworzył też nowe programy, komponowane specjalnie na zamówienie festiwali (m.in. Warszawska Jesień, Unsound Festival, Festiwal Kultury Żydowskiej w Grodzisku Mazowieckim) oraz instytucji kultury (program Polscy kompozytorzy muzyki filmowej przygotowany na 85-lecie radiowej Dwójki czy Faraon zrealizowany dla Filmoteki Narodowej – Instytutu Audiowizualnego). Za muzykę do słuchowiska Krakus C.K. Norwida w reżyserii D. Błaszczyka trio otrzymało Nagrodę im. J. Hajduna na XXI Festiwalu „Dwa Teatry”.
Bastarda doceniana jest również na arenie międzynarodowej. Już po wydaniu pierwszej płyty zespół zaproszony został jako partner międzynarodowego projektu badawczego Sound Memories: The Musical Past in Late-Medieval and Early-Modern Europe realizowanego przez wiodące europejskie uniwersytety (Humanities in the European Research Area). Niewątpliwym sukcesem jest także wydanie płyty w renomowanej wytwórni Pentatone i związane z tym wydawnictwem trasy koncertowe w Holandii (występy w tak prestiżowych miejscach, jak Het Concertgebouw w Amsterdamie).
Wydawniczo i środowiskowo grupa związana jest z wytwórnią Lado ABC oraz Audio Cave.
Warszawa 25.11.2026, g. 19:00
od 40.00 pln
Tworzy piosenkowy electro-pop, ale komponuje też ścieżki dźwiękowe do filmów i spektakli. Podczas Eufonii zaprezentuje projekt Highest Point, łączący elementy koncertu, instalacji i performansu. Zobaczymy nową, autonomiczną formę sceniczną i usłyszymy muzykę, opartą na utworach Baascha, zrealizowanych wcześniej dla kina i teatru. Pod względem brzmieniowym będzie to synteza tanecznej rytmiki, ambientowych faktur i klasycznych instrumentów. Za scenografię i reżyserię świateł projektu odpowiada Aleksandr Prowaliński.
PROGRAM
Highest Point
koncert-instalacja oparta na motywach i fragmentach muzyki filmowej i teatralnej Baascha, przekształconych w nową, autonomiczną formę sceniczną
WYKONAWCY
Baasch
scenografia i reżyseria świateł: Aleksandr Prowaliński
Producent muzyczny, kompozytor, wokalista, autor tekstów. Od lat działa na scenie alternatywnej muzyki elektronicznej oraz komponuje na potrzeby filmów i spektakli teatralnych. Laureat Fryderyka w kategorii elektronika, dwukrotnie nominowany do tej nagrody za muzykę filmową. Regularnie gra ze swoim zespołem na najważniejszych festiwalach w Polsce, takich jak Open’er, Tauron Nowa Muzyka, Audioriver, Męskie Granie, Zorza, Co Jest Grane. Koncertował też za granicą, m.in. we Francji, Niemczech (Reeperbahn Festival), Norwegii, Islandii, Czechach, Rumunii (TIFF – Transilvania International Film Festival), na Słowacji (Sharpe), Węgrzech (Sziget Festival) i Litwie, a nawet w Chinach. To, co charakterystyczne w artystycznej drodze Baascha, to różnorodność projektów, w których bierze udział.
Baasch ma na koncie osiem albumów długogrających. Pierwszy z nich to ścieżka dźwiękowa do obsypanego nagrodami filmu Płynące wieżowce Tomasza Wasilewskiego. Skomponował też muzykę towarzyszącą do opery Simon Boccanegra Verdiego w inscenizacji Agnieszki Smoczyńskiej w Teatrze Wielkim – Operze Narodowej, ścieżkę dźwiękową do serialu Lalka w reżyserii Pawła Maślony, a także do filmu Lipstick on the Glass i serialu Czarna śmierć Kuby Czekaja. Współpracuje również z reżyserami teatralnymi. Jego utwory były wydawane m.in. przez wytwórnię Mesh Maxa Coopera, Pets Recordings, belgijską wytwórnię PIAS czy Kayax. Od kilku lat prowadzi autorską audycję Neurotransmisja w Radio 357.
PROGRAM
Highest Point
koncert-instalacja oparta na motywach i fragmentach muzyki filmowej i teatralnej Baascha, przekształconych w nową, autonomiczną formę sceniczną
WYKONAWCY
Baasch
scenografia i reżyseria świateł: Aleksandr Prowaliński
Producent muzyczny, kompozytor, wokalista, autor tekstów. Od lat działa na scenie alternatywnej muzyki elektronicznej oraz komponuje na potrzeby filmów i spektakli teatralnych. Laureat Fryderyka w kategorii elektronika, dwukrotnie nominowany do tej nagrody za muzykę filmową. Regularnie gra ze swoim zespołem na najważniejszych festiwalach w Polsce, takich jak Open’er, Tauron Nowa Muzyka, Audioriver, Męskie Granie, Zorza, Co Jest Grane. Koncertował też za granicą, m.in. we Francji, Niemczech (Reeperbahn Festival), Norwegii, Islandii, Czechach, Rumunii (TIFF – Transilvania International Film Festival), na Słowacji (Sharpe), Węgrzech (Sziget Festival) i Litwie, a nawet w Chinach. To, co charakterystyczne w artystycznej drodze Baascha, to różnorodność projektów, w których bierze udział.
Baasch ma na koncie osiem albumów długogrających. Pierwszy z nich to ścieżka dźwiękowa do obsypanego nagrodami filmu Płynące wieżowce Tomasza Wasilewskiego. Skomponował też muzykę towarzyszącą do opery Simon Boccanegra Verdiego w inscenizacji Agnieszki Smoczyńskiej w Teatrze Wielkim – Operze Narodowej, ścieżkę dźwiękową do serialu Lalka w reżyserii Pawła Maślony, a także do filmu Lipstick on the Glass i serialu Czarna śmierć Kuby Czekaja. Współpracuje również z reżyserami teatralnymi. Jego utwory były wydawane m.in. przez wytwórnię Mesh Maxa Coopera, Pets Recordings, belgijską wytwórnię PIAS czy Kayax. Od kilku lat prowadzi autorską audycję Neurotransmisja w Radio 357.
Warszawa 27.11.2026, g. 19:30
od 40.00 pln
Trzy utwory w dawnym stylu Henryka Mikołaja Góreckiego to popis twórczej erudycji, w którym kompozytor nawiązuje do pieśni dworskiej polskiego renesansu oraz tańców ludowych. Fantazja na skrzypce i orkiestrę Pēterisa Vasksa opowiada o najpotężniejszej sile świata – miłości, która jest źródłem nadziei na lepszą przyszłość. W drugiej części koncertu zabrzmi II Symfonia Jeana Sibeliusa, którą można odczytać jako metaforę śmierci i zmartwychwstania, ukazaną przez pryzmat majestatu fińskiej przyrody.
Więcej informacji na stronie www.eufonie.pl
PROGRAM
Henryk Mikołaj Górecki
Trzy utwory w dawnym stylu [8’]
Pēteris Vasks
Vox Amoris
Fantazja na skrzypce i orkiestrę smyczkową [24’]
**** przerwa [20’]
Jean Sibelius
II Symfonia D-dur op. 43 [43’]
Więcej informacji na stronie www.eufonie.pl
PROGRAM
Henryk Mikołaj Górecki
Trzy utwory w dawnym stylu [8’]
Pēteris Vasks
Vox Amoris
Fantazja na skrzypce i orkiestrę smyczkową [24’]
**** przerwa [20’]
Jean Sibelius
II Symfonia D-dur op. 43 [43’]
Warszawa 27.11.2026, g. 20:00
od 30.00 pln
Śląski duet Etnobotanika specjalizuje się w przywoływaniu dźwiękowych duchów przeszłości. Sample z dawnych lat wplata w oniryczną elektronikę i taneczne rytmy. W ramach Eufonii duet zaprezentuje album Kosmobotanika, zawierający muzyczną opowieść o tym, jak wyobrażano sobie kosmiczne podróże w czasach PRL-u. Podczas koncertu nagrania Etnobotaniki nabiorą bardziej klubowego brzmienia, a towarzyszyć im będą fragmenty polskich filmów sci-fi. Występ odbędzie się w Planetarium w Centrum Nauki Kopernik.
WYKONAWCY:
Tajemniczy duet z Górnego Śląska, który jedną nogą stoi twardo na gruncie muzyki elektronicznej, a drugą bada tereny sampli i hip-hopu, tworząc swój unikatowy styl. Ich wzrok i uszy zwrócone są ku skrawkom przeszłości – fragmentom starych polskich filmów, na wpół zapomnianym serialom, wyrywkom z mniej i bardziej znanych rodzimych piosenek nagranych przed laty. W czasie swoich występów na żywo prezentują własne kompozycje, często w nowych, bardziej tanecznych wersjach.
Do tej pory wydali trzy świetnie przyjęte albumy studyjne (Fruwający Przestępca, Leśne Duchy, Kosmobotanika) oraz jedną EPkę (Wakizashi). Współpracują z wytwórniami The Very Polish Cut Outs i Superkasety Records. Ich talent docenili m.in. Gazeta Wyborcza, która wybrała Kosmobotanikę jedną z 20 najlepszych polskich płyt roku 2025 (miejsce ósme), Quebonafide, który zaprosił ich do współpracy przy utworze Echo (wspólna kompozycja znalazła się na albumie Północ/Południe tego artysty) oraz setki tysięcy słuchaczy, którzy dali wyraz swojego uznania w liczbie sprzedanych płyt i kaset (każdy z albumów sprzedał się w blisko dwóch tysiącach egzemplarzy), a także odtworzeń w serwisach streamingowych i na YouTube (album Kosmobotanika ma na tej platformie aktualnie ponad 400 tysięcy wyświetleń). Muzyka, którą prezentują, jest też świetnie odbierana przez okoliczną faunę i florę oraz byty astralne.
WYKONAWCY:
Tajemniczy duet z Górnego Śląska, który jedną nogą stoi twardo na gruncie muzyki elektronicznej, a drugą bada tereny sampli i hip-hopu, tworząc swój unikatowy styl. Ich wzrok i uszy zwrócone są ku skrawkom przeszłości – fragmentom starych polskich filmów, na wpół zapomnianym serialom, wyrywkom z mniej i bardziej znanych rodzimych piosenek nagranych przed laty. W czasie swoich występów na żywo prezentują własne kompozycje, często w nowych, bardziej tanecznych wersjach.
Do tej pory wydali trzy świetnie przyjęte albumy studyjne (Fruwający Przestępca, Leśne Duchy, Kosmobotanika) oraz jedną EPkę (Wakizashi). Współpracują z wytwórniami The Very Polish Cut Outs i Superkasety Records. Ich talent docenili m.in. Gazeta Wyborcza, która wybrała Kosmobotanikę jedną z 20 najlepszych polskich płyt roku 2025 (miejsce ósme), Quebonafide, który zaprosił ich do współpracy przy utworze Echo (wspólna kompozycja znalazła się na albumie Północ/Południe tego artysty) oraz setki tysięcy słuchaczy, którzy dali wyraz swojego uznania w liczbie sprzedanych płyt i kaset (każdy z albumów sprzedał się w blisko dwóch tysiącach egzemplarzy), a także odtworzeń w serwisach streamingowych i na YouTube (album Kosmobotanika ma na tej platformie aktualnie ponad 400 tysięcy wyświetleń). Muzyka, którą prezentują, jest też świetnie odbierana przez okoliczną faunę i florę oraz byty astralne.
Warszawa 28.11.2026, g. 19:00
od 40.00 pln
Dzieła tworzących w XVIII wieku kompozytorów gdańskich odzwierciedlają zarówno pełne rozmachu życie kulturalne portowego miasta, jak i głęboką religijność jego mieszkańców. W utworach instrumentalnych twórcy zdradzają swoją otwartość na nowości płynące z Zachodu, a w odznaczających się bogatą instrumentacją kantatach z wirtuozowską partią sopranową dają świadectwo zróżnicowanej wizji szczęścia i spełnienia – od pochwały dobrobytu w życiu doczesnym, po nagrodę za ziemski trud w życiu wiecznym.
Więcej informacji na stronie www.eufonie.pl
PROGRAM
Johann Valentin Meder
Chaconne c-moll [6’]
Johann Gottlieb Goldberg
Sonata g-moll
na dwoje skrzypiec i basso continuo [12’]
Gottfried Österreich
Kantata Nimm das Opfer unsrer Hertzen
na sopran i instrumenty [23’]
słowa: autor nieznany
Johann Gottlieb Goldberg
Sonata c-moll
na dwoje skrzypiec, altówkę i basso continuo [13’]
Johann Jeremias du Grain
Herr, nun lässest du deinen Diener
na sopran, dwoje skrzypiec, altówkę i basso continuo [16’]
słowa: Johann Jacob Rambach
Więcej informacji na stronie www.eufonie.pl
PROGRAM
Johann Valentin Meder
Chaconne c-moll [6’]
Johann Gottlieb Goldberg
Sonata g-moll
na dwoje skrzypiec i basso continuo [12’]
Gottfried Österreich
Kantata Nimm das Opfer unsrer Hertzen
na sopran i instrumenty [23’]
słowa: autor nieznany
Johann Gottlieb Goldberg
Sonata c-moll
na dwoje skrzypiec, altówkę i basso continuo [13’]
Johann Jeremias du Grain
Herr, nun lässest du deinen Diener
na sopran, dwoje skrzypiec, altówkę i basso continuo [16’]
słowa: Johann Jacob Rambach